Medio arácnido (Análisis de "Amazing Spider-man 2")

¿Por qué "a medias"? ¿Por qué pongo ese título? Porque esta breve frase define a la perfección a "Amazing Spiderman 2". Un juego que deja mucho que desear. 

¿Dicho juego puede atraernos por su historia? No, pues es flojísima. Nefasta. 

Cuesta escribir una crítica o un análisis cuándo el juego al que has jugado es...meramente decente, suficiente y que te deja con un severo mal sabor de boca, amargo para los ortodoxos. 

A través de una cortísima crítica voy a intentar trasladaros una opinión que escatima en ventajas, en puntos positivos; y que va a tratar de no ser lo más exigente posible en cuanto al héroe de Marvel se refiere.

Comenzamos con lo tipico de Spiderman, la muerte del tio Ben. El constante uso del nombre del tío Ben se vuelve demasiado abusivo en el juego, y eso lo llega a convertir hasta en pesado. Los fans de Spiderman sabemos de sobra lo que significa para Spidey la muerte de su tio, no hacia falta que lo utilizasen tanto ¡Quizás trataban de dar profundidad al juego por medio de la melancolía, quien sabe! No obstante, la historia no engancha en ningun momento. Personalmente acabé hasta las narices de cómo ponen en escena (constantemente) al tio Ben. Desde el principio el juego choca, mostrandonos un Peter Parker que no se parece absolutamente en NADA al actor de las peliculas. Lo mismo sucede con los demás personajes, aunque algunos se salvan por los pelos. 

Los personajes de este juego no gozan de ser carismáticos ni de que te lleves un buen recuerdo de ellos. Son realmente simples. La estética de los personajes es de las peores que he visto en un videojuego, realmente penosa. No obstante sólo se salva el protagonista de este juego cuando lleva el traje puesto (ya sería hasta divertido que no lo llevase). "Amazing Spiderman 2" cuenta con una historia que se queda a medias, y que peca de ser excesivamente corta, con unas misiones repetitivas. E incluso con misiones secundarias aún mas nefastas. Posee unos gráficos medianamente pasables, no destaca el juego por su apartado gráfico, pues se ve como si el motor gráfico empleado fuese de la antigua generación, siendo el resultado un tanto... lamentable. 

La jugabilidad en algunas ocasiones se vuelve tediosa, no controlas del todo a Spidey y eso deja muchisimo que desear en el ámbito jugable. El manejo de Spidey no es preciso. El sonido no me ha llegado a impresionar, ni tampoco su banda sonora. Dicho juego abusa, y en gran medida, de los tiempos de carga. 

Es una verdadera lástima el resultado de este juego, ojalá alguna compañía sea capaz de exprimir al máximo la licencia del hombre araña. Porque tiene mucho potencial este superhéroe, muchisimo. Beenox ha dejado un juego que pasa del aprobado y poco más. Un juego que es un triste intento de superar a su anterior entrega. Realmente no ofrece nada innovador, nada que llegue a captar nuestra atención. El pasear por la ciudad lanzando nuestra redes no ofrece nada de profundidad, pues estamos ante una ciudad muy vacíaa. No obstante, el sentirse como Spiderman una vez más siempre es un gran placer. No obstante, he notado que este juego no está a la altura de las expectativas que creó y tampoco continúa mismo nivel de optimismo que sí tuvo su anterior entrega. 

"Amazing Spiderman 2" es un juego que entretiene, corto, pero que no destaca en absolutamente nada, y que para alargar su duración lo más recomendable es ir a por su trofeo platino. Lo dicho, un juego con una nota de 5 aproximadamente. No recomiendo su compra, excepto para los fans de Spiderman, que les podrá gustar. 

 ....menos mal que me lo compré barato y me regalaron trajes...¡porque menudo esperpento se ha marcado Beenox!

Nota final: 5'5

Siente el pánico (Análisis de "The Legend of Zelda: Majora's Mask")

Curioso título para empezar el análisis. Pero tiene muchísima razón, pues "Majora´s Mask" ha sido, al menos para mi, el juego que más pánico me ha dado. No sólo por el constante contrarreloj que posee, sino también por los muchísimos aspectos siniestros que muestra a lo largo del juego. 

Todo comienza por la siniestra y oscura máscara de Majora, que por méritos propios, se ha convertido en un icono en el mundo de los videojuegos. Aunque "Majora´s Mask" es muy infravalorado a la hora de hablar del mundo de los videojuegos, posee aspectos narrativos e incluso jugables que otros juegos no poseen. Sinceramente, es el juego más siniestro que he jugado, normal que el sistema de clasificación por edades, o también denominado "PEGI" ya sea de 12 años. E incluso con dicha edad opino que es imposible encontrar y comprender todas las connotaciones oscuras, melancólicas y bizarras que esconde este juego en cada lugar. Así vemos que, conforme pasan los años, te das cuenta de aspectos aún más siniestros que tiene este Zelda. Perfectamente puedo decir que es el Zelda más siniestro que existe, y lo sigue "Twilight Princess". 

Y es curioso, porque a pesar de los 15 años que han pasado desde su estreno en la mítica Nintendo 64, este juego no ha perdido su magia, no ha perdido su esencia siniestra que lo caracterizaba en aquellos años, y que lo caracteriza en la actual Nintendo 3DS. ¿Es un acierto que saquen "Majora´s Mask" para 3DS? Desde luego que si, pues es el retorno de un clásico, que muchos no habían tenido la suerte de proban años atrás y que ahora, si pueden. 

En el catálogo de 3DS destaca, en mi opinión es un juego que tienes que tener si posees la portátil de Nintendo. Majora´s Mask tuvo en su momento el dificil reto de superar a "Ocarina Of Time", algo que parecía imposible, pues era, y es considerado, el mejor juego de la historia para la muchísima gente. 

"Majora´s Mask" optó por ir por un camino diferente, siendo esta la mejor elección posible, pues eligieron tomar otro rumbo en la saga Zelda, haciendo un juego totalmente distinto. Acertaron. Yo tuve la ocasión (o mejor dicho, la suerte) de poder jugar a Majora´s Mask en la Nintendo 64, y puedo decir perfectamente que he vivido de una manera totalmente nueva la aventura protagonizada por el héroe del tiempo. Lo bueno de este juego es que Nintendo ha retocado lo mínimo posible para mantener la esencia que posee Majora´s Mask; siendo el resultado, un remake sobresaliente. 

La historia que nos presentan en este remake es fantástica,  siniestra, y que genera un pánico con todo el esplendor posible. Estar constantemente atento al tiempo genera esa emoción, y eso gusta. Ya no estás ante un Zelda en que puedes hacer lo que te de la gana y desperdiciar el tiempo. Aún así seguimos teniendo una importante libertad de movimiento que nos genera más cuestiones internas respecto a qué debemos dedicar nuestro tiempo. Un tiempo...limitado por menos de 72 horas.

Tres días y muchas tareas por realizar,  debes tomar decisiones, y si no completas aquellas misiones que necesitas realizar de manera obligatoria....mala suerte, game over, reinicia y vuelve a intentarlo. Puede sonar un planteamiento repetitivo, ¿verdad? Ahí es dónde esta entrega destaca, no es repetitiva aunque el ritmo de juego sea el mismo. De hecho, hasta podemos variar el ritmo de juego, generando como resultado una rejugabilidad sorprendente e incluso atrayente para los jugadores que buscamos experiencias nuevas y reconfortantes.

La historia principal de "Majora´s Mask" es de las mejores de la franquicia de Zelda, pero si nos situamos en las misiones secundarias que posee puedo decir con firmeza que es el mejor Zelda que existe. Pues no son sólo misiones secundarias de realizar unos objetivos y adquirir una determinada recompensa que nos ayudará a progresar, estas misiones poseen toques muy interesantes, y conforme tienes más edad (cuando jugué en la 64 practicamente no me enteraba de nada) te das cuenta de todos los aspectos grotescos que tiene. Y ya no sólo en el terreno de los extraño puede llegar a ser llamativo este juego, sino también en lo absurdo (vemos en una casa que una mano sale de un váter para pedirnos ayuda) generando un juego...¿dadaísta quizás? Lo dejo a vuestro entendimiento del arte. 

Es el Zelda más oscuro que existe. No obstante, y aunque alabe todas sus virtudes y no critique de manera despectiva sus errores, no recomiendo empezar a jugar a la saga Zelda con "Majora´s Mask". Ya que sin duda es mejor iniciarse en esta saga con otros títulos (quizás menos radicales en cuanto al ámbito de lo extraño se refiere). Esta entrega se podría catalogar como "el episodio raro" de la serie de Zelda, ergo, esto lo hace tan especial.

Han pasado 15 años desde su estreno en la N64, pero las pasiones que levanta siguen siendo las mismas, o puede que incluso sean más llamativas ahora que vivimos en una sociedad que pretende dejar a un lado juegos que hacen hincapié en fenómenos paradójicos. Queremos hoy en día acción pura, sensaciones al momento y no para el momento.Es difícil encontrar en el catálogo actual juegos que introduzcan elementos novedosos de terror fuera del la categoría de survival horror o del propio género de terror. Transmitir miedo, intriga, tensión y serias dudas en un juego de aventuras no es un algo que veamos en la actualidad. Y si fuese así, escaparía de lo que consideramos lo "tradicional". Fue una apuesta arriesgada en su momento, e incluso sigo pensando que si se hubiese estrenado en la actualidad generaría la misma polémica o puede que incluso más (debido a que lo más demandado en el mundo de los videojuegos ahora es diferente a lo que se compraba hace más de una década).

Su jugabilidad es fantástica, diría que mejor que en la Nintendo 64, pero apenas me acuerdo de cómo era jugar a este título en aquella vieja consola...

Pero en 3DS los controles van realmente fluidos y eso me gusta. Sigue el camino que pavimentó "Ocarina Of Time" en 3DS, y eso evita posibles líos. El hecho de contar con 2 pantallas ayuda a la interacción en el propio juego, y con ello podemos ser más rápidos y directos a la hora de seleccionar objetos.

Los gráficos se han revitalizado, están conseguidos, hechos desde 0, y muy bien trabajados. Superan a la 64 con bastante diferencia, y se nota, los detalles que presenta en 3DS son enriquecedores. Un lavado de cara que le sienta realmente bien a este Zelda.

El sonido, cómo siempre, sobresaliente, no tiene ningún fallo, es sublime. Su banda sonora en 3DS nos presenta la misma que en la N64. ¿Importa? No. Si la banda sonora fue de las mejores que tienen los videojuegos en aquel año 2000, ¿por qué cambiarla ahora? La banda sonora es la misma, y eso se agradece. 

Presenta canciones que pueden emocionar ¡o incluso ponerte los pelos de punta! 

Si hablo de innovación....es un aspecto de los juegos que no suelo dar muchísima importancia, claramente es importante, pero para mi no tanto si el juego cumple. Pero Majora´s Mask es innovador de arriba a abajo. Te presenta un nuevo mundo, una nueva estética, una nueva aventura, y mucha más dificultad que nos presentó Ocarina Of Time. Es la primera vez que doy el máximo de estrellas que se le puede dar en innovación a un videojuego, pero Majora´s Mask lo merece. Pero vamos a lo importante: Merece la pena Majora´s Mask? Desde luego que si. Su compra es obligatoria si posees la portátil de Nintendo. Es un juego histórico que ha sido, lamentablemente, muy infravalorado.

Ah, y por cierto, vete aprendiendo la canción del tiempo....la vas usar bastante....

Nota final :9'5

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Revolución (Análisis de "Assassins Creed: Unity")

Assassins Creed es una franquicia que, lamentablemente, en los últimos años ha ido desgastándose hasta la saciedad. Se ha sobreexplotado de una manera estrepitosa. No obstante, Unity es un juego que puede gustar a los fans y que, al menos para mí, merece la pena comprar. Soy muy conservador a la hora de hablar de la compra de un videojuego, pero actualmente Unity se encuentra a un precio muy asequible y barato (25 euros me costó en formato físico). 

Se nos presenta un nuevo escenario, París, de la Revolución Francesa. Una gran ambientación para una gran época de cambios, de revoluciones. "Assassins Creed Unity" no falla por su ambientación, de hecho es en lo que más destaca. La ambientación está genialmente conseguida, el toque de la next-gen se nota. No obstante, no por tener una gran ambientación es un magnífico juego, ni mucho menos. Considero a Unity un juego notable que por su precio actual merece mucho la pena si eres seguidor de esta franquicia o si sientes alguna curiosidad por cómo fue la etapa de la Ilustración. 

La historia propia del juego no goza de ser la mejor de la saga, pero es suficiente para tenernos medianamente intrigados por un "querer saber más". Arno, el personaje protagonista (nuestro asesino) me ha gustado cómo personaje, pero no por ello es mi favorito ni lo considero el mejor. Para mí siempre habrá un asesino a destacar, y será Ezio Auditore. Y probablemente pase el tiempo y con ello más entregas de Assassins Creed y yo siga pensado exactamente lo mismo.  No obstante, la historia que nos presenta Ubisoft con Arno es más o menos innovadora e interesante. Su historia comienza de una manera un tanto triste y que evoluciona mientras nos enamoramos de una joven francesa. Debo destacar lo penoso que me ha parecido el villano principal y su lucha final. No me ha parecido ni carismático ni difícil. De hecho diría que me han matado más veces simples soldados que el “gran jefe final del juego”. 

Ver las calles llenas de personas, con constante alboroto, mejora de forma significativa una ambientación que llega a la perfección. El sistema de parkour ha sido mejorado y se nota a la hora de recorrer los edificios con nuevos movimientos que dan más realismo a esta entrega. Claramente goza de tener las características propias de esta saga, cómo por ejemplo el uso que debemos dar a las atalayas y sus míticos descensos. 

Además, debo destacar la personalización que se nos presenta. Un aspecto que me ha parecido muy atractivo y que merece la pena ver. La constante mejora y nuestras ganas por querer mejorar nuestro equipo, hacen que Unity tenga más vida y sea más interesante para el jugador. Podemos ir mejorando nuestras habilidades junto a nuestro equipamiento. También debo mencionar la variedad de misiones que se nos presentan; que lamentablemente pueden llegar a ser repetitivas en algún momento pero que en términos generales están bastante bien y mejoran la experiencia de juego. Los combates son más intensos y no tan fáciles cómo me esperaba (al principio de la historia tienen una dificultad considerable). La infiltración en este juego es otro aspecto a destacar, ha sido mejorado y llama bastante la atención por el cuidado que posee. 

Pero destaquemos sus famosos “bugs”; un tema del que muchos hablan y que yo fui el primero en criticar. No se puede sacar un juego con tantos fallos, sinceramente no se debe. El acabado debe estar terminado y perfectamente organizado; listo para que el jugador pueda empezar a jugar sin tener que aguantar constantes fallos del juego. Hay fallos? Pues que dediquen más tiempo en la realización de dicho juego. Pero gracias a Dios, Unity ha conseguido corregir (al menos por lo que he visto) la mayoría de sus errores. Dicha solución de errores también me motivó para comprar este juego, pues lo quería jugar sin tener que maldecir al equipo de Ubisoft.

El doblaje está realmente conseguido, pero hay un gran error respecto a un personaje: Napoleón. Probablemente sea de los peores doblajes que he oído nunca; el doblaje de este personaje histórico es penoso (quería que se callase). 

La banda sonora diría que está bien y poco más. No la destaco por su grandeza, pues sinceramente no encuentro ninguna composición que me haya “llegado” cómo si hicieron anteriores entregas… Su sonido en términos generales cumple bastante bien. 

Unity destaca por su gran poderío gráfico, que a mí me ha sorprendido desde el primer momento en que lo jugué. Pero no por ello es un gran juego, ni un indispensable si tenéis consolas de nueva generación. Es un juego notable, que hubiese sido sobresaliente de no ser por sus errores. Os recomiendo su compra si lo encontráis a un precio alrededor de los 30 euros.

Nota final: 8 

"Somos los malos" (Crítica de "Escuadrón Suicida")

“Escuadrón Suicida” ha sido una de las películas más esperadas de este año. Para unos la espera a merecido la pena y para otros esta espera se ha convertido en una excusa más para criticar de manera negativa a la película de David Ayer. He llegado a leer criticas espantosas que catalogan a “Escuadrón Suicida” como una película machista e incluso racista porque algunos de sus personajes no se comportan “bien”.  Y sinceramente, si vas con una mentalidad cerrada y esperando de “Escuadrón Suicida” una película ética y con mucha moral…pues vas acabar desquiciado ante este grupo de villanos.

En el presente 2016 ya he visto como han criticado también de manera despectiva a “Batman v Superman” y en lo personal no me pareció mala película. De hecho, me pareció un peliculón que deja en ridículo a la mayoría de películas de superhéroes. La supuesta crítica profesional debe tener una increíble manía a las últimas películas de DC Comics y de Warner.

“Escuadrón Suicida” es una película desenfadada y divertida. Su esencia se encuentra en sus personajes, en los mismísimos villanos de DC. Toda la carga se encuentra en sus hombros y la manejan tranquilamente. Todos funcionan e interactúan entre ellos de manera natural y perfecta (tanto dentro de sus papeles como fuera), pero claro está que hay unos mejores que otros. Personajes como Harley Quinn, Deadshot  o incluso Amanda Waller pueden llegar a tener más carisma que otros como Diablo o Killer Croc, por ejemplo.

Pero hablemos de Harley Quinn. Margot Robbie ha hecho un increíble papel con la mítica novia del Joker. Este personaje tampoco tiene la misma antigüedad que si tienen otros que aparecen en la película, pero para nada es negativo este aspecto, de hecho es hasta positivo. Es realmente increíble apreciar como Harley Quinn ha sido capaz, desde su primera aparición en la serie animada de Batman, de conquistarnos y de querer saber más de ella.  La novia del Joker derrocha carisma y personalidad en cada escena de la película. Existe además una genial química con el Joker de Leto (del que hablaremos más adelante). Para muchos fans, entre los que me incluyo, ver a la pareja payasa era un sueño que por fin se ha cumplido. La película cuenta con una primera parte que nos presenta a los personajes del equipo. Nos dan sus orígenes y los motivos que les llevan a ser como en realidad son. Y de todas las presentaciones la que más llega es la de la doctora Quinzel, explicando su enamoramiento u obsesión con el gran príncipe del crimen. Margot Robbie enamora desde el primer minuto y se convierte, con permiso de Gal Gadot, en la mujer icónica de este universo cinematográfico de DC.

Deadshot, el enemigo de Batman con mejor puntería. El personaje interptado por Will Smith ocupa casi toda la película. Destaca su protagonismo junto a Harley Quinn, siendo los dos mejores personajes de la cinta. Lo negativo que puedo llegar a ver (aunque se puede considerar como algo positivo) es que vemos que Deadshot es un líder, y que se asemeja a la mayoría de papeles de Will Smith. Pero si te gustan las películas de dicho actor no te importará este aspecto porque puede que hasta disfrutes más de la película. Su encuentro con Batman me llegó al corazón. Una lástima que no indagasen más en un posible enfrentamiento más largo entre ambos.

Amanda Waller, la supervisora y creadora de este equipo de villanos. A mi parecer este personaje ha sido infravalorado por una amplia mayoría y es una lástima, una verdadera pena. Viola Davis es capaz de manejar a su personaje como la mismísima Amanda haría con cualquier persona. Es una villana que muchos clasificarían de “heroína” dependiendo de la perspectiva en que se la mire. Pero no nos engañemos, Amanda es un personaje que es capaz de retar hasta a Batman con tal de cumplir sus planes y alcanzar sus objetivos. Es un personaje feroz, fuerte como ningún otro y más inteligente de lo que muchos creen. En esta película se integran a la perfección todas las características de Amanda, reflejando una villana que tendrá mucho que decir en próximas entregas de este universo cinematográfico. La tensión que existe en la conversación entre ella y Bruce Wayne en la escena post créditos me dejó muy satisfecho y con ganas de más!

Los demás personajes de la plantilla carecen del mismo protagonismo o carisma que sí que poseen Deadshot, Harley y Amanda. No obstante, ninguno llega a decepcionar a excepción del personaje de Adam Beach, Slipknot. Otros personajes como Rick Flag, Encantadora o Diablo dejan satisfecho.

El único personaje del que me hubiese gustado ver más es ni más ni menos que Killer Croc. Desde que pude enfrentarme contra él en el videojuego “Arkham Asylum” tuve una gran curiosidad por este villano y deseaba ver un enfrentamiento entre Batman y él en la gran pantalla. En esta película apenas desarrollan al personaje y mucho menos le dan un buen protagonismo. Ojalá puedan darle más importancia en posibles futuras entregas a este enemigo del murciélago de Gotham.

El Joker. Desde que se publicó la primera imagen de Jared Leto como el Joker muchas personas han criticado el haberle elegido como actor y, sobre todo, la manera en la que se le había caracterizado. Pero ya habiéndose estrenado la película muchos se pueden llegar a preguntar ¿Leto supera al mítico papel de Ledger? Y la respuesta es simple, no. Este Joker es muy diferente al de “The Dark Knight” con lo cual es difícil comparar el uno con el otro. Pero hay que dejar claro que Ledger fue capaz de opacar el protagonismo del Batman de Bale y dejó a todo el público boquiabierto con lo que había hecho, haciendo así la mejor actuación de su carrera (con un Oscar póstumo merecidísimo). El Joker de Jared Leto ni siquiera destaca sobre el resto de personajes, pero para nada hace un mal papel. Todo lo contrario, este Joker deja con ganas de más y ojalá podamos verle en la entrega que Ben Affleck está preparando sobre Batman. Los minutos que aparece en la película son los justos porque hay que dejar claro que esta película es sobre el Escuadrón Suicida, no sobre él. Este Joker podría tener un gran futuro si se le da un papel más relevante y construido. Y es una verdadera lástima que le hayan quitado escenas.

Pero esta película no destaca únicamente por sus personajes, sino que la banda sonora que posee también es otro pilar que sostiene a esta cinta. Canciones genialmente elegidas e integradas en cada escena. Y es que desde “Guardianes de la Galaxia” no había oído una selección tan buena. Con canciones como “Purple Lamborghini”, “Sucker For Pain”, “Bohemian Rhapsody”, “Fortunate Son” o “You Don't Own Me” hacen de “Escuadrón Suicida” una película que también destaca por su música.

Son lo peor de lo peor? Pues se podría decir que tampoco son tan malos como parece. Es una fantástica idea llevar a cabo una película de estas dimensiones. Una superproducción que no nos presente a los héroes a los que estamos acostumbrados, sino que nos den maldad y diversión. Romper la dinámica a la que estamos acostumbrados de estrenar únicamente películas de héroes, y no de villanos, hace que “Escuadrón Suicida” se convierta en un posible inicio de un nuevo subgénero de villanos. Otro ejemplo más de que las críticas son injustas ante lo que están haciendo DC Comics y Warner Bros.

Nota final: 8

"El juego que se convirtió en leyenda" (Análisis de "Zelda: Twilight Princess HD")

Las leyendas adquieren tal nominación por lo que han llegado a marcar, por la historia que han forjado.

“The Legend of Zelda: Twilight Princess” vuelve remasterizado con un impresionante HD que no deja a nadie insatisfecho, que atrae tanto a antiguos jugadores cómo a nuevos. Es una aventura sin igual, que es capaz de juntar la parte más épica y a la vez más oscura de toda la franquicia Zelda, aportando un toque más adulto de lo que ya hemos podido ver en esta saga.

Traer de nuevo un juego que salió hace 10 años no es tarea fácil, pero Nintendo ha sido capaz (con una consola que no goza de la popularidad del público en general) de hacernos sentirnos igual de eufóricos cómo antaño estuvimos.

Este videojuego rompió los moldes clásicos que puso su anterior juego, “The Wind Waker”, siendo totalmente diferente a este. Cambió la expresión animada por una más realista y el toque infantil por uno más oscuro, convirtiéndose así “Twilight Princess” en una continuación de lo que pudimos ver en “Majora's Mask” (aspecto a agradecer).

La historia del juego es la misma, pero han añadido novedades que se agradecen en el proceso in-game.

El hecho de tener más capacidad en nuestra bolsa de rupias se agradece, pues ahora tenemos el doble de capacidad que teníamos antes.

Las figuras amiibo poseen varias funciones, siendo la de Link Lobo la más importante ya que aporta una mazmorra añadida que podemos explorar. Junto al modo normal se ha añadido el modo Héroe que incrementa exponencialmente la dificultad del juego (siendo prácticamente imposible de superar).

Aparte, esta remasterización no posee más novedades, con meros detalles cómo que podemos transformarnos directamente en Lobo sin necesidad de recurrir a Midna o que los racimos de luz son más sencillos de conseguir, por ejemplo. Cabe destacar que se agradece el cambio en HD, ahora el juego se ve con muchísima más nitidez, con mejor iluminación y mejores texturas.

El juego brilla por sus detalles, los hay por todas partes (los jugadores veteranos notarán cómo se ha remasterizado y reformado hasta el más mínimo detalle).

Además, la “aceleración” del juego es algo que nos sobrecoge nada más empezar la partida (los FPS se han aumentado en comparación a la edición original de Gamecube o de Wii).

Con “Zelda Twilight Princess” una persona es capaz de preguntarse si los videojuegos son un arte o si despiertan emociones en los jugadores. Toda la saga Zelda se caracteriza por tener juegos excelentes, perfectos la mayoría de ellos, con historias inolvidables, únicas e inigualables. La historia que nos presenta este juego es sobrecogedora, con personajes que nos dejarán huella (cómo es el caso de Midna) o una evolución de nuestro héroe que es para enmarcar. La dinámica es la de siempre, superamos mazmorras y avanzamos en nuestra historia. Pero en este juego el ir paso a paso superando cada mazmorra hace que te prepares para la última prueba y con ello, al jefe final.

El argumento no es tan simple como puede llegar parecer pues cambia, hay giros que dejan atónito y tiene una magnífica resolución final que ata todos los cabos sueltos que puede llegar a generar. Por ello, la historia de “Zelda Twilight Princess” es, o casi está a la altura de ello, la mejor de toda la franquicia Zelda. Superando a los clásicos “Ocarina of Time”, “Majora´s Mask” o “Skyward Sword”.

Los gráficos de este juego se aprecian sobre todo en una pantalla de alta definición. No es un juego que brille por su calidad gráfica cómo si lo hacen otros cómo “Uncharted 4”. Pero esto no es para nada negativo, simplemente es diferente. No todos los juegos buscan el hiperrealismo, algunos tienen su esencia propia que no deja descontento a nadie (véanse juegos cómo “Kingdom Hearts” o “Journey”, por ejemplo). La manera en la que se fusionan dos mundos tan diferentes entre si cómo el reino de Hyrule y el de Crepúsculo puede llegar a maravillar al jugador, pues es contraste puro.

Luz y oscuridad, o cómo diría Zelda “son las dos caras de una misma moneda”.

La duración del juego puede llegar a las 40 horas, siendo un juego largo y lleno de misiones secundarias a realizar (piezas de corazón, bichos de Maripola, almas de espectro, etc.)

La jugabilidad de esta edición remasterizada ha cambiado notablemente en comparación a lo que pudimos probar en Wii. Ahora podemos jugar con el mando propio de Wii U, el GamePad, o con el Mando Pro (al iniciar el juego se nos presentan ambas opciones).

Gracias al GamePad la aventura se vuelva más sencilla, bastante más cómoda porque el inventario ahora nos aparece en la pantalla del mando de Wii U.

El sonido es el mismo que pudimos escuchar 10 años atrás, manteniéndose impecable para cualquier oído. La banda sonora compuesta por Koji Kondo es, posiblemente, la mejor de toda la franquicia (que además la podéis conseguir en un pack especial junto al amiibo de Wolf Link). Posee canciones genialmente orquestadas cómo “Midna´s Lament”, “Ordon Village”, “Hyrule Field Main Theme”, “Rutela´s Theme” o “Ilia´s Theme”, por ejemplo. Son composiciones que dejan huella al jugador, tanto al veterano cómo al novato que prueba por primera vez este juego.

La siniestra Midna, la resolución de puzles, la superación de mazmorras, el poder recorrer Hyrule a lomos de Epona, el contraste de dos mundos o la aparición de villanos tan singulares cómo Zant hacen que “Zelda Twilight Princess” sea un juego obligatorio de tener en tu estantería si eres poseedor de una Wii U en este caso, o de una Gamecube o Wii.

Es más que un juego, es una leyenda, con una historia que brilla por sí sola. Una experiencia que todo jugador debe tener en su memoria.

Nota final: 10

Cuando el monstruo apareció en mi ventana (Crítica de "Un monstruo viene a verme")

 Crítica de "Un Monstruo viene a verme" de J.A. Bayona

Todos tenemos nuestros propios miedos, nuestros monstruos. Aquellos en los que depositamos nuestras desesperanzas e ilusiones perdidas, nuestros temores. Para cualquier persona un monstruo es un ser que genera miedo y repulsión, que hace que no conectemos con él y lo tachemos de extravagante o incluso de diabólico. Un monstruo imaginario tiende a representar nuestros miedos.

En esta última película dirigida por J.A. Bayona se nos presenta una historia dramática, terriblemente triste, que conmoverá a todo espectador que se precie a asistir a su sala. “Un monstruo viene a verme” está cargada de emoción en cada minuto que la envuelve, en cada segundo que pasa y en cada dibujo que presenta. El pilar de esta historia se encuentra en la relación que posee el protagonista, Conor, con su madre. Bayona nos tiene últimamente acostumbrados a presentarnos historias que están directamente relacionadas con el amor maternal. Y por ello da con la clave de todo drama, la pérdida. A todos nos asusta perder a nuestra madre o a nuestro padre. Cualquier persona teme a la muerte aunque lo niegue, pero una amplia mayoría (espero estar en lo cierto) preferiría perderse a sí mismo antes que perder a las personas que ama. 

Fruto de la imaginación de Conor aparece el monstruo de la cinta. No es una criatura corriente, no pretende –al menos en exclusiva-, asustar al protagonista. Todo lo contrario, pretende educarle y enseñarle conocimientos que le resultarán vitales conforme pase el tiempo. El monstruo presenta al joven protagonista una serie de historias que van más allá de un mero relato. Cada una de ellas posee unas connotaciones totalmente neutras, ni negativas, ni positivas (aspecto que trata de demostrar una y otra vez el personaje al que da voz Liam Neeson). ¿Acaso con una historia de una reina y de un príncipe podemos extraer algunos valores educativos o éticos? Por supuesto. A través de cuentos, Bayona consigue plasmar no sólo una manera de pensar, sino la mejor ética posible: la neutra, la imparcial y objetiva. 

“Ni los buenos son tan buenos ni los malos son tan malos”. Una frase un tanto recurrente en la actualidad pero que nadie comprende, o que directamente ni escucha. Deja también constancia de la moralidad inexistente que poseen algunas personas. Incluso aquellas que tratan de predicar con el ejemplo pero que, llegado un momento clave de su vida, van en contra de sus propios valores y traicionan todo aquello en lo que creen; convirtiéndose, irremediablemente y por méritos propios, en hipócritas.   

Así, la situación cambia al individuo y los valores pueden contrastarse de manera total.  En otro cuento, el monstruo señala el papel de la “invisibilidad”. A ninguna persona le gusta ser invisible aunque intente así demostrarlo. Podemos querer tener nuestro ratito de descanso y de soledad, ¿pero vivir constantemente en las sombras y apartado de todo ser viviente? Prácticamente ninguna persona podría sobrevivir a ese extremo sin rozar el límite de locura. Vemos que con cuentos contados por un gigantesco árbol humanizado somos capaces de formular cientos de teorías respecto a lo que trata de enseñar o de predicar. Unas pueden ser teorías formuladas, las cuales pueden tener toda la razón del mundo, mientras que otras pueden no tener ningún argumento válido. Así, la película conecta con el espectador y le genera un sentimiento de incertidumbre y de duda, como si de una parábola se tratase. 

“Un chico demasiado mayor para ser un niño, demasiado joven para ser un hombre”. En ocasiones las circunstancias que hemos vivido nos han hecho ser diferentes a lo que quizás debíamos ser. Pero es irremediable dicho proceso, no es casual y mucho menos predecible.  La conexión que podemos generar entre la película y nuestro “yo” traspasa la pantalla. Nos sentimos vivos y por consiguiente, tristes. “Un monstruo viene a verme” destaca por su principal función, emocionar al espectador. Emociona tanto de manera directa como indirecta. Cada espectador puede llevarla a un plano de su vida diferente y generar con ello semejanzas entre esta película con su propia personalidad.

El reparto de la película destaca por el papel que realiza Lewis MacDougall (Conor). Conectamos con su personaje y con el miedo, la ira y la tristeza que le corroe. Pero tal como he dicho, la película se basa en la conexión madre-hijo que presenta, ergo, el papel que interpreta Felicity Jones debe de estar a la altura requerida. Nunca he sido gran admirador de esta actriz, pero tras su actuación en esta película y tras haber podido ver las recientes promociones de “Inferno” y  de “Star Wars: Rogue One” puedo dejar claro que tiene unas grandísimas cualidades en el ámbito de la actuación. Aunque la presencia de Sigourney Weaver (abuela de Conor) o de Toby Kebbell (padre de Conor) destacan por la unión que tienen con el personaje protagonista, pasan de manera más desapercibida gracias al gran papel que desempeña Lewis MacDougall, ¡el cual posee un futuro prometedor en esta industria!

Además, la creación del “monstruo” es más que notable, es sobresaliente, pareciendo real en cada escena en la que aparece. Así como apunte para los entendidos de “Guardianes de la Galaxia” de Marvel...sí, este monstruo parece el hermano mayor de Groot (aunque genera más conversación). 

La muerte convierte a un niño en adulto de manera temprana, precoz, y la película así lo refleja. Reflexiona sobre el tiempo y cómo lo utilizamos, el miedo a la pérdida, la tristeza de no haber dedicado el tiempo suficiente a lo que deberíamos haber hecho o a lo que realmente merecía la pena. Ensaya sobre el mayor error del ser humano - “¡podría haber hecho más, debería haber estado ahí!”-. Bayona no sólo nos presenta una película que ahonda en el sentimiento familiar (aspecto que ya pudimos ver en su anterior película, “Lo Imposible”), también pretende concienciarnos de manera inequívoca. 

Se ha promovido, y de gran manera, que el canon de que las películas españolas (sin querer entrar en nacionalismos o patriotismos) rozan lo ridículo y lo vulgar, que únicamente buscan el dinero fácil, que no reflexionan sobre nada y que meramente venden entradas poniendo a Mario Casas de portada  o de estrella invitada. Bayona vuelve a romper con ese canon al que se nos lleva acostumbrando un largo tiempo y que sigue hoy presente a pesar de los grandes esfuerzos de esta industria por querer dejar a un lado las connotaciones negativas que posee el cine español. Aunque “Un monstruo viene a verme” posea un enorme reparto anglosajón y un equipo técnico mixto, no implica que, por méritos más que propios, sea una película representativa de España. Posee todas las papeletas para convertirse en la película española del año (con permiso de “Julieta”, por supuesto).  

J.A. Bayona sigue desmotrando un grandísimo nivel en cuanto a calidad se refiere.

Ya lo demostró con anterioridad en “El orfanato” y con “Lo imposible”; y “Con un monstruo viene a verme” continúa en la misma senda que lo caracteriza como director. 

Grandísima película, tremendamente recomendable para ver, en especial si os identificáis con su protagonista. Pues viviréis, de primera mano, lo importante que es la presencia, el amor y el afecto de un padre o de una madre para un niño.

Nota final: 9